私は何故、制作過程をブログにアップするのか

私は自分のブログにイラストをアップする時、「こんなツールや効果を使って描きました」的なことを絵と共に記すことがよくあります。（特に描画ソフトを使って描いている場合）

例えば、「１０＊１０＠Tonpyo」　http://blog.tonpyo.pepper.jp/　みたいな。

なんでそんなことするのか？っていうと。幾つか理由があって、
1．忘れっぽいので、「自分がどんな風にこんな仕上げをしたのか忘れる」から。メモ代わり。
2．描画ソフトを使いこなせていないので、「この表現にはこの効果」というのを記録したいから。
おそらく、私の今のやり方ではムダな行程が多々あるはず。色々試して、ムダのない使い方をしたいので、その時にこの記録が役に立つかもと思っています。また、知らないものの恐いもの知らずで、色々試してみた結果を残したいから。
3．ソフトウェアを使って描いているのだから、同じようにツールを使えば誰でも同じような効果が得られるはず。自分だけのマル秘特殊テクニックというわけではないから、シェア。
たぶん、絵の個性とか、（イラスト産業として、ユーザーに対する最終的な）お役立ち加減というのは、ソフトの使い方だけでは済まされないものかも知れないなんて思ったりしてますけど、そこら辺どうなんだろう？未だよくわからないブラックボックスです。ていうほど、スンバラシイテクニックを使っているわけでもないし。どちらかというと「初めて使う人向け」です。

たぶん、私の制作過程を読んで、「バカだなぁ、ムダだなぁ」という箇所はたくさんあるはずです。無いとは、言わせないぞよ♪　ハッキリ言ってハズカシイ。でも、いいじゃん。面白いなら、なおさら。

病院向けのポスターは視線がカギかもと思った

去年末、検診で総合病院へ行った時に思ったことをメモ。
悲しい気分で（注：検診結果は異常なしですー）壁の張り紙を見ていたんだけど、そんな気分の時に目に素直に入ってくるのは「視線がこっちに向いている」イラストが描いてあるものでした。
で、視線がこっちに向いている人物が描かれている場合は、「頼りになる、心強い」印象、また、「今現在必要な情報かもしれない」と感じました。
視線が外れている場合（例えば、視線をやや上に遠方を見ている、横向きである）は、何か「大きなテーマであるか、なにかの説明」という感じ。特に具合が悪い時に見ると「今の（しんどい）状況では後で見ようかな」なカンジです。
総じて、描かれた物が「掲示される環境」によって描いているメイン人物の視線を意識することは重要だと感じました。

また、具合の悪い患者さんが見る時に限ると思うのですが、厳しい表情の人物からは「現在の自分が期待に応えられない辛さ」、、満面の笑み（半円状で瞳が描かれていない目）の人物からは「自身とは違う世界の幸せ」を感じたことがありました。例外として、子供や赤ちゃんの笑顔はホッとするものがありました。（自分が大人だからかも。子供自身にはどう見えるのかなぁ）

・・・私も以前満面の笑みをたたえたお医者様を描いちゃったなぁ。絵で伝えたかったことがちゃんと伝わっただろうか、反省しました。←病院Webのイラスト描いたの

見る人が概ねこんな感情で見ている、という環境は限られていると思うのですが。感情の他にも、環境や時間でも目に飛び込みやすく、心に訴えるデザインのあり方があるのかもしれません。

よしなしごと：ふくよかな顔。

家で自分の子供と、お喋りしてたときの話。

ふくよかな顔を描く場合は、顔のパーツが真ん中によるように描くと、らしくなるよという話をしてました。（これはわりと基礎の話なので、知ってる人は知ってるんだけど）

なんでか？を図解しながら話してたらウケたので再現。

まずは顔のパーツ。

パーツの配置は、頭蓋に由来してますよね。

(この絵の骸骨は正しい形とは限らないのであしからず）

上の頭蓋に肉付けしたのがこの図。

人それぞれとはいうものの、そうそう頭蓋に差があるわけではない（はず）なので、頭蓋の大きさが変わらないと仮定すれば、顔にお肉が付く＝頭蓋の外側に付くことになります。当たり前ですが。

だから、見かけ上、パーツが真ん中により気味に見える。

ということは、逆も真なり。パーツが離れ気味だとやせ気味という理屈です。もちろんあまり極端に描いてはどちらもおかしなカンジですが。

・・・ちなみに自分の似顔絵は、パーツが真ん中によってます。あああ。正直もほどほどに。

それはともかく！

では、これはどうでしょう。

よしなしごと：レイヤーの命名法

ご無沙汰してます。ホントはこんなヒマそうな事してるとしかられそうなんだけど、あんまり更新しないのも何なので。（←言い訳。能率が上がらなくなってしまったので息抜き）

オレ流レイヤーの命名法

PhotoshopやIllustratorのレイヤーに、名前をつけるときのオレルール。
なので、素直な良い子は鵜呑みにしないように。
とはいうものの、誰でもやってるアタリマエダのことかもしれないなぁ。

基本概念：誰にでも解ってもらえる努力をすること/文字化けをしないこと/短いこと

（あ、なんだか文章が長くなる予感がしてきた＝書くのがワクワクしてきた）

命名する意義：データの受け渡しの時に必要。特に、チームで作業してるときとか。


オレ的命名法
１．数字なら01から
オレ以前に世界的？超基本命名法。
単純に数字でよい場合は、レイヤー数が9個までは01始まりで。2桁の場合は001からで。
2．環境が合わなさそうなときは半角アルファベットと数字で
文字化けが原因で他のトラブルが起きそうな気がするから(たぶんそんなことはない）

3．「自分の常識=世界の非常識」かもしれないと、まず考えてみる
その赤いオブジェクトがリンゴに見えるのは、今の自分だけかもしれない。
たとえ「リンゴを表現」していても、「パッと見」でリンゴに見えるかどうか判断して命名する

4．一般名詞を使う
その固有名詞は相手に通用しないかもしれない

5．漢字に注意する
確かめたワケじゃないからわかんないんだけど・・・常用漢字以外の文字はなるべく使わない方が良いような気がする、なんとなく。特殊文字はもちろん論外。

6．物じゃないモノを表現しているレイヤーの命名法（その１）場所で表す
右左、上中下、ということ。
細かすぎてもわかりにくいので、画面4分割～9分割くらいで場所を表すと命名も短くて好き。

7．物じゃないモノを表現しているレイヤーの命名法(その2）形態で表す
粒状、帯状、単数、集団など。意味を排除して、形そのものでズバッと表現。

８．物じゃないモノを表現しているレイヤーの命名法(その3）意味で表す
これは「相手に何を描いてあるか伝える必要がある場合」に有効。
なるべく他の方法と組み合わせて使う。「01右上帯不安」みたいな(わかりにくいかも・・・）

9．フォルダにも番号記号を振って、レイヤー命名とリンクさせる
ここまで細かくやったこと無いけど（あまり名前が長くなるのも困る）。
フォルダAの中なら、「A01右塗り丸」みたいな？

10．誰でも知ってる言葉で、名前を創作する
これは4の発展形。
良い例が思い浮かばないんだけど、時々あるのが「滅多に見たこと無い物、専門的すぎて名前が不明な物」。
自分が知らないだけならば、頑張ってググって一般名を探し出すんですが・・・。
調べても「これは殆どの人が正式名称知らないだろうなぁ」というような珍しすぎる物の場合は
誰でも知ってる名詞を使って、その物の意味するところを表現する。
あ、今思いついた例：「風船照明」←夜にUFOみたいにふよふよ光ってる工事現場のアレ。
も一つ思いついた例「井模様」←絣地ですな
上の例のように、シンプルな形の漢字や文字で代用するのも楽しい（解りやすいことが大事）
創作が気恥ずかしい向きには、別紙で解説つけたら？

（個人的に知りたいのは、競泳プールのレーンを仕切ってる、アレ。何て言うんだろうなぁ。
誰にでも解る表現で言い表してみって下さい。）

11．その他色々

なによりも、名前は短いのが重要と私は思ってます。レイヤー名の末尾が「・・・」だと気になるし、肝心なとこが隠れてちゃ意味ないし。
長い名前の寿限無の坊やでも、一人だけ描かれている画像ならば、レイヤー名は「男子」ってことで。

余談だけど、レイヤー名でも個性が出ます。なんだかカワイイのとか、格好いいのとか、さすがだなと思う物とか、ある。
一人で仕事してるときには解らなかったそんなことが、ちょっと楽しかったり嬉しかったりすることも、たまーにあります。

線のリズム

いきなりですが・・・線がスキです。（なにそれ？ですか）

Illustratorで描く線（または線に見える面）は、筆さばきの味わいはありませんが、線の性格がダイレクトに表れていると私は思っています。

フラットな線の魅力、強弱のある線の魅力、線そのものの太さが持つ魅力。それらがミックスされている画面構成や、逆に一つの表情の線のみで構成されているもの。
線自体に表情はありませんが、その性格は自然と画面ににじみ出てきます。無口な働き者ってカンジですね。
そんな線を使って画面を構成するとき、線の張り・方向・強弱と線の性格がマッチすると、見ていて気持ちが良い画面が出来るような気がします。逆に遊びがない（＝頑固）ので、造形時に隙があると、そのまんま表してしまいますが・・・。

Photoshopで描く線は、（リアルな画材と共通するところがありますが）、線自体が語ります。
線自体が語ってくれる部分が、絵の空気感となって全体を包んでくれます。
絵を見る人も包むような力が線自体にあります。音楽みたいなものかなぁ。
あ、そうしたら、それで構成された画面ていうのは、交響曲みたいなものですかね。
ちょっとカッコイイ。


私がたびたびIllustratorで使う線の強弱は、周囲を太く、中を細く。目的の要素は太く、それをフォローする要素は細く、みたいな感じです。ちょっと漫画チックな感じなのはそのせいでしょう。
滅多に描きませんが、Photoshopで使用する線は、あまり線自体に強弱がありませんし、太さも変えません。太さが変わるときは、ブラシそのものを別の種類に替えています。
あなたはどうですか？絵って、人それぞれの理屈があって描かれているのが、すごく楽しいですよね。

下絵について

ハジメマシテの記事だけじゃサミシイのと、このブログに慣れるために、記事を書いてみます。



下絵・・ここでは、アイデアを練り込んで、最終的に「この方向で行こう」という構図です。
「なぞって描くもの」という意味合いでは、ここでは使いません。

私は、絵のアイデアを練る場所（＝ソフトウェアや画材）によって、「下絵」が有ったり無かったりします。

無い場合：主にIllustratorで物を考えてるとき。個人の作品を作っているとき。
有る場合：群像など、ちょっと入り組んだ物を描くとき。Photoshopで物を考えてるとき。



もしかしたら、これが「下絵」かもしれないですが、アイデア出しはクロッキー帳と決めています。
そこで構図や、描く物のポーズや表情等、出せる物を全部出しときます。
それを横目で見ながら、いきなりIllustratorで作り始めるということが、私には多いです。
クロッキー帳のアイデアを参考にしつつ、形を作りながら研いでいく、というやり方です。

最近はPhotoshopで下絵、それをIllustratorに持ってきて有る程度形を作り、最終的に下絵を消して整える、ということをしています。



なんでか？っていうと・・・面倒くさい説明になるんですが。


一つは、ソフトの性格だから。というのが一番簡潔な答えです。
ソフト上で練っていく方が、「そのソフトにあった工夫が出来る」ということもあります。

絵自身も、制作していく中で進化していきます。厳粛に下絵の通りのみでは収まりきれないアイデアや工夫がドンドン出てくる・・ということもあります。
だから、下絵をただトレースして完成ということは、（パソコンで絵を描く場合では）まず無いと私は思うのです。
というか、パソコンで絵を描くと言うことは、限りなく手仕事です。（初めてパソコンで絵を描いたときには、想像つかなかったくらい。）
もしかしたらプログラムを組むと言うことも、その硬質なイメージに反して、ものすごい手仕事なのじゃないかなと想像します。

（話が逸れました）


だから、私が下書き無くIllustratorで描いたイラストには、逆に「遊び」が足りないのかもしれません。
一方で、下絵のつもりでPhotoshopで描いた絵の方が、空気感があるというか、考える余地を相手に持たせるというか・・優しい余白があるような気がします（私の絵が優しげとかそういう意味ではないです）


なんでこんな事を書いているのか。というと、昔「イラストレーター入門」みたいな講座に行ったときに、「下絵なしに絶対絵なんて描けません。」とか何とか言われたのを思い出したから。
その時、「なんで「その完璧な下絵」をそのまま完成品として使わないんだ？」とか思っちゃった私がいました。（アイデア出しまでは下絵じゃない、という前提で）

私がヒネクレモノなんですね。